Agenda

Maillon+, l’association des spectateur·rices du Maillon, vous propose une visite guidée d’exposition à La Chambre.

En quelques minutes, Barbara Engelhardt, directrice du Maillon, vous présente les artistes de cette édition automnale 2026 et vous offre un aperçu de leurs univers. Au fil de cet espresso, elle vous plonge au cœur de PREMIÈRES, retrace l’histoire du festival et en partage les enjeux : mettre en lumière l’émergence artistique européenne, explorer des formes audacieuses mêlant tradition et innovation, et révéler des artistes inventif·ves face aux nouvelles réalités.

Entre playlists et achats en ligne, vidéos de chats et requêtes sur des chatbots basés sur l’IA, nos empreintes numériques sont la matière première d’une nouvelle économie de la surveillance. Mais cette surveillance a aussi une histoire. Avec sie wachen über dich, les membres du collectif interculturel what about: fuego entrelacent subtilement leur quotidien numérique avec celui de leurs grands-mères, de l’intrusion de l’État dans la sphère privée en Allemagne de l’Est au Chili de Pinochet, en passant par la brutalité du contrôle social en Suisse. Que nous apprend l’âge de la radio sur celui du cloud ? Les artistes tressent récits et réflexions, mots et musique, pour questionner les nouvelles formes de transparence. Le détour par le passé devient l’outil d’une interrogation des enjeux économiques du web, mais aussi des structures patriarcales que dissimule son pouvoir d’attraction. Dans le paysage sonore du duo cyberféministe ultramorbidi, performé sur scène par l’une des musicien·nes, les trois interprètes se font exploratrices d’un monde où toute donnée est un capital exploitable.

https://www.youtube.com/watch?v=ClV_QfMfjOQ

Qu’est-ce qui reste quand le langage se transforme en matière, corps ou silence, quand bien même le texte est au cœur d’un spectacle ? Nicolás Lange, auteur-poète, construit sa première pièce de théâtre sur des cendres : celles d’un prologue brillant qui navigue entre le Moyen Âge et le présent, aborde les violences du pouvoir, les rituels catholiques, les discours queer, les arts et des souvenirs personnels. Mais aussi sur les cendres de ceux qui, au 15e siècle à Florence, ont été accusés de sodomie et brûlés publiquement. Devant un immense tableau de la Renaissance italienne, Lange nous rappelle que ces feux avaient leur parfum propre de fenouil, que l’on brûlait pour couvrir les odeurs de la chair. Mais l’auteur-interprète, avant de laisser la scène à un danseur et de se fondre dans l’opacité, ne cherche pas à transformer ces flammes en lumière et le martyre en récit personnel. Sa pièce travaille à faire disparaître la première personne, le « je », afin de laisser entrer la troisième personne. Pour parler aux autres, à partir des autres, avec les autres.

Le temps d’une soirée, le Maillon devient une grande tablée ! Chacun·e est invité·e à apporter un plat, une boisson ou une gourmandise à partager. Une façon toute simple et chaleureuse de prolonger la rencontre avec les artistes du festival.

Un temps d’échange à l’issue de la représentation pour partager vos premières questions et impressions avec les équipes artistiques.

Ananda Jade compose des voyages sonores où le rythme devient un langage et le dancefloor un espace à investir, habiter et partager. À la croisée de ses héritages brésilien et suisse, elle mêle dans ses sets jazz expérimental, sonorités électroniques et des sons des clubs des diasporas africaines. Une invitation à se laisser traverser par le son et à entrer pleinement dans le mouvement.

Un corps élancé et ondulant, comme si la colonne vertébrale suivait un cours d’eau : sur un plateau en carré blanc lumineux, cette silhouette fascinante nous invite à plonger, non dans cette mer qu’ont dû traverser 12 millions d’Africain·es déporté·es lors de la traite transatlantique, mais dans des morceaux d’histoire. L’histoire d’un peuple, du colonialisme, mais aussi celle d’une famille franco-haïtienne, qui s’inscrivent dans le corps de Mackenzy Bergile, artiste pluridisciplinaire inspiré autant par la recherche socio-historique que par le spiralisme haïtien. Ainsi, il parcourt un paysage poétique et politique, déroule un fil mémoriel fragmenté qui tresse traumatismes et références culturelles. Au lieu d’une thérapie autocentrée, Mackenzy Bergile se livre à travers mouvements et tableaux, symboles rituels, mots et musiques dans son soi façonné et habité, blessé autant que nourri par d’autres. En se glissant dans différents costumes, il déploie tout un langage visuel et gestuel, vocabulaire surprenant d’une mémoire devenue manifeste.

https://www.youtube.com/watch?v=Ed02lfHxZUY

Avec Mackenzy Bergile, metteur en scène de Autothérapie et Léa Sery, metteuse en scène de Afropéennes

On sait que West Side Story est une réécriture de Roméo et Juliette, que Shakespeare lui-même a largement puisé dans des textes anciens, mais peut-être moins que Brecht a « emprunté » son Cercle de craie caucasien à un dramaturge beaucoup moins connu. L’histoire de l’art est une histoire d’emprunts : tel est le constat qui sert de point de départ à Steal This Performance, un spectacle qui porte bien son nom. Dans ce travail de fin d’études mais déjà récompensé par un prix européen, Pauli Patinen nous invite à découvrir la scène comme un cabinet de curiosités rempli de citations théâtrales et performatives. Pas d’hommage cependant, ni de références savantes. Le metteur en scène désacralise au contraire l’idée d’autorité, déconstruit le principe d’authenticité et interroge tant le pouvoir de la création que ce que nous attendons de l’art. Sans aucune ironie, mais avec tout ce qui fait l’art du théâtre : le plaisir du texte, la précision du jeu, mais aussi tous les artifices visuels et sonores qui font du plateau le lieu de l’illusion.

https://www.youtube.com/watch?v=R9UHdnvakP0

L’héritage peut être un pont entre le passé et le présent. Mais quand il s’agit d’un héritage culturel, on pense moins à un simple legs qu’à une appropriation, au prolongement possible de pratiques, sociales ou culturelles. Qu’ils soient transmis ou rejetés, visibles ou invisibles, les héritages reflètent aussi les rapports de force de nos sociétés. Entre la mémoire d’une famille et celle d’un peuple, l’histoire humaine et celles des arts, ils peuvent se faire ressource pour une génération qui questionne ses racines et origines, ses influences et ses inspirations, avec une créativité libératrice. Pour en parler, nous vous invitons à un échange avec des programmateurs et programmatrices à l’écoute de l’émergence.

La scène est à vous ! Musique, danse, poésie, stand-up, lecture, chant : venez avec une idée, un texte, un geste ou simplement l’envie de tenter quelque chose. L’Open Mic est un espace ouvert à toutes et tous, pour oser, improviser, et surtout partager. Une dernière soirée pour fêter ensemble cette nouvelle édition de PREMIÈRES !

Ils pulsent, vibrent, sautent inlassablement : neuf danseuses et danseurs conquièrent une scène nue, pour soi et avec l’autre, dans un élan de groupe en perpétuel mouvement. Avec Nimble, Alexander Vantournhout explore des pistes nouvelles. Pas de contrainte matérielle à laquelle se confronter comme dans d’autres projets, pas d’accessoires, mais un plateau vierge comme un champ d’expérimentation. Pour cette nouvelle création, c’est dans la boxe que l’artiste a puisé son inspiration, dans son jeu de jambes si particulier, à la fois mathématiquement précis et toujours prêt à la réaction spontanée. Une base rythmique perpétuelle qui en rejoint ici une autre : celle, plurielle, du corps, faite de mouvements propres à chacun·e et pourtant communs à toutes et tous. Un cœur qui bat, un œil qui cligne, une épaule qu’on hausse : ce sont les instruments d’une symphonie corporelle à laquelle s’ajoute, pour la première fois, une composition sonore que les artistes exécutent sur scène. Autant d’éléments d’un langage qui, partant de l’individu, affirme sans cesse la possibilité du collectif.

https://vimeo.com/1226172006

Un échauffement physique collectif dans la joie et la bonne humeur avant d’entrer en salle découvrir le spectacle.

 

En 2007, Philippe Quesne inventait le personnage de Serge, artiste solitaire qui conviait ses ami·es chaque dimanche à assister à des micro-performances (L’Effet de Serge). 18 ans plus tard, l’appartement de ce premier protagoniste de la cosmologie du metteur en scène est toujours là, devenu étrange galerie d’art, champ d’expérimentation pour un groupe de visiteurs et visiteuses venu·es l’investir. Car comme souvent chez Quesne, le monde reste à construire, avec les instruments du bord : des plaques de linoléum, du carton, une étrange mousse, des bâches en plastique... et des textes, aussi : ceux de Laura Vazquez, déjà à l’œuvre dans Le Jardin des Délices, dont la poésie traverse le spectacle. Dans cette composition doucement absurde, Quesne s’inspire également du poète surréaliste belge Paul Nougé, sensible comme lui au pouvoir des objets et de la matière à éveiller la curiosité, à interagir avec l’humain. Utopie du soin et de l’attention à l’autre, vivant ou non vivant, Le Paradoxe de John est une pause salutaire dans l’accélération perpétuelle du présent.

Venez partager une pause déjeuner au Maillon avec Philippe Quesne avant ou après avoir découvert Le Paradoxe de John. Un rendez-vous inédit et gourmand, en petit comité, pour découvrir le cheminement de la création.

Derrière l’étrange titre de ce « ciné-spectacle » se cachent deux destins qu’apparemment tout oppose : Natacha Wouters, comédienne qui s’apprête à jouer Phèdre de Racine lorsque commence l’histoire, et Max, homme mystérieux qui partage son mobil-home avec sa souris de compagnie. Avec cette performance astucieuse, La Cordonnerie nous plonge dans un thriller aux accents poétiques fait de jeux d’ombres et de reflets multiples, à commencer par cette bande son produite sur scène commune aux deux premières parties du récit que le public, partagé en deux groupes, suit simultanément. Avant de découvrir, dans un troisième temps, le fil fragile qui relie ces deux existences. Une fois encore, Métilde Weyergans et Samuel Hercule conjuguent la maîtrise de la technologie visuelle et un goût prononcé pour la matérialité du bruitage afin de mieux immerger le public dans un récit où les vers de Racine semblent rencontrer le laconisme visuel d’un Aki Kaurismäki.

https://www.youtube.com/watch?v=nyZZYVmmJgw

Découvrez l’envers du décor et les différents métiers du théâtre. Votre pause déjeuner se transforme en visite guidée des coulisses du Maillon : ateliers techniques, passerelles, loges n’auront plus de secret pour vous !

Les grands textes de l’Antiquité, que Laëtitia Pitz compare à des arches, portent et hébergent en eux une pensée ancestrale. Les réactiver, c’est faire entendre leurs résonances dans le présent et restituer ainsi leur vérité intemporelle : celle d’Antigone par exemple, dont la soif de justice a traversé l’histoire. La metteuse en scène met ici en voix l’Antigonick de la poétesse canadienne Anne Carson, traduction du mythe qui puise largement dans ses interprétations contemporaines chez Virginia Woolf, Judith Butler ou Donna Haraway. Surgit alors une figure à la fois archaïque et moderne qui, réclamant le droit d’enterrer son frère, incarne l’irréductibilité des liens qui nous unissent par-delà les règles rationalisées de la loi. Sur scène, trois actrices nous en racontent l’histoire avec force et sensibilité, accompagnées par la partition du compositeur Christian Wallumrød, où se mêlent échos de musique ancienne et tonalités électroniques. Pour dire la place de l’humanité dans les luttes du présent.

https://www.youtube.com/watch?v=1KmrQnDhomM

Comment dire notre rapport complexe au temps, dont on dit qu’il faut se le laisser mais aussi en gagner, ne surtout pas le laisser filer, mais le prendre comme il vient ? La compagnie pragoise Cirk La Putyka a trouvé pour cela une forme magistrale, en partant de ce mouvement si commun qu’il échappe à notre interrogation : courir. Et courir, dans le cas présent, tout au long du spectacle, sur un tapis roulant géant fonctionnant en permanence, à la fois surface et obstacle, contrainte et complice. Presque un acteur à part entière de la performance. Runners conjugue le cirque et la danse, dans une bande son envoûtante interprétée et chantée sur la scène. Six interprètes y explorent, entre acrobatie, danse, numéros à la roue Cyr, toutes les manières de s’approprier ce sol qui se dérobe sous leurs pieds. Des micro-histoires se racontent, le temps d’un geste, d’un regard, d’un son. Comme une manière de refuser une fausse évidence : celle qu’il faudrait suivre le rythme effréné du monde.

https://www.youtube.com/watch?v=dZBAtA5i4-o