Agenda

Chaque spectacle vous est présenté par une personne de l’équipe du Maillon dans le hall. À vous de circuler pour découvrir la programmation de ce semestre.

Une rencontre croisée entre les différents compositeur·rices de la soirée : Jennifer Walshe, Philip Venables et Gabriel Kahane. Trois personnalités aux univers artistiques singuliers, réunies par un même goût pour le récit, le collage et la voix.

Théâtre musical, comédie pop, confession chorale : The Alonetimes explore nos solitudes amoureuses avec humour, tendresse et cruauté douce. Six voix composent le portrait d’une époque hyperconnectée, saturée de récits, de désirs et de malentendus.

Écrite, composée et mise en scène conjointement par Jennifer Walshe et Philip Venables, The Alonetimes prend la forme d’une archéologie fragmentée d’histoires personnelles, à la lisière de la fiction et de l’autobiographie. Conçue pour six interprètes — deux voix, violon, clarinette, accordéon et percussions —, l’œuvre s’apparente à un madrigal contemporain. Les récits circulent, se relaient, se dédoublent, dessinant une constellation de souvenirs, d’aveux et de projections. Des premières fois aux ruptures, des rencontres en discothèque aux usages du dating en ligne, la pièce observe les formes changeantes de la relation amoureuse et les fragilités du lien dans un monde traversé par les mutations numériques et sociales.

Créée à la Fondation Cartier pour l’art contemporain en avril 2026, la pièce a été saluée pour la précision de son écriture et la puissance dégagée par ses interprètes. Cette production de Musica est reprise à Strasbourg avant une tournée internationale.

 

 

Du songwriting à la composition, Gabriel Kahane occupe une place singulière sur la scène étasunienne. Pour sa première à Musica, il présente Book of Travelers en solo et Elevator Songs avec Roomful of Teeth, deux projets marquants où rencontres fugitives, voix anonymes et scènes imaginaires nourrissent une écriture pop d’une rare finesse narrative.

Il y a près de dix ans, au lendemain de la première élection de Donald Trump, Gabriel Kahane entamait une traversée des États-Unis par le rail. Sans téléphone ni connexion, il recueillait les récits de passagers croisés en chemin et esquissait le portrait d’un pays fracturé. Book of Travelers est né de cette expérience. Aujourd’hui, seul au piano, il en reprend le fil, laissant résonner ces voix dans un présent qui leur donne une acuité nouvelle.

En deuxième partie, composé pour Roomful of Teeth, Elevator Songs (Chansons d’ascenseur) est un cycle situé dans un hôtel imaginaire, où chaque chanson est pensée pour une voix spécifique de l’ensemble. Portées par ces présences singulières, les scènes donnent corps à une galerie de personnages saisis dans l’attente ou le passage. À travers ce théâtre du quotidien, Kahane nous mène du songwritting à l’écriture contemporaine, sur un chemin qui lui est propre — politique, sensible, incarné.

Programme

Gabriel Kahane
Book of Travelers (2018)

— Entracte —

Gabriel Kahane
Elevator Songs (2023)

Distribution Roomful of Teeth

Estelí Gomez
Mingjia Chen
Eliza Bagg
Virginia Kelsey
Jodie Landau
Steven Bradshaw
Thann Scoggin
Cameron Beauchamp

piano, chant Gabriel Kahane

 

 

Un temps d’échange à l’issue de la représentation pour partager vos premières questions et impressions avec les équipes artistiques.

S’appuyant sur l’album Homogenic de Björk comme matrice — et notamment sur le titre « Hunter », dont elle reprend l’élan de traque et de tension — la création de Liesa Van der Aa prend la forme d’un dispositif scénique entre concert, performance et théâtre. Sur un terrain de basket, huit chanteuses composent une équipe soumise à des règles, des injonctions et une pression constante. Polyphonies a cappella, beats électroniques et gestes collectifs structurent cette « partie » où se rejouent discipline, contrôle et adhésion au groupe. Entre répétition et tension, la pièce fait apparaître les mécanismes d’un monde où il faut tenir coûte que coûte, être performant·e, ne jamais faillir — jusqu’au point de rupture

Programme

Hunter (2025)
création française

d'après Björk, Homogenic (1997)

composition, direction musicale, livret, arrangements Liesa Van der Aa
arrangements Boris Van Overschee, Rocco Segers
chorégraphie Jacquelyn Elder
dramaturgie Naomi Beeldens, Anne van de Wetering
scénographie Bert Depuydt
costumes Wim Muyllaert

Distribution Ensemble B O D I E S

Trinidad Doherty
Tara Nome Doyle
Erika Emerson
Kat Frankie
Barbara Greshake
Jenniffer Kae
Anna-Lucia Rupp
Liza Wolowicz

Hunger, le nouvel opéra électronique de Franck Vigroux, dessine le parcours initiatique d’un personnage qui, sous la pression croissante de la modernité, voit ressurgir ses archaïsmes les plus enfouis. Sur fond de territoire rural marqué par l’exode et le déracinement, musique électronique, vidéo et lumière deviennent des présences habitées qui dialoguent avec la voix et la scène pour composer une performance immersive polyphonique. À travers une écriture dense, taillée dans le son, le geste et l’image, Hunger fait émerger un paysage mental en transformation, traversé par la mémoire, l’instinct et les mutations du monde contemporain.

Figure méconnue du IXᵉ siècle, Cassienne de Constantinople fut l’une des premières compositrices dont les partitions ont traversé le temps. Lara Barsacq s’empare de cet héritage pour créer Kassia Undead, une traversée chorégraphique entre archives, fiction et rituel. Huit interprètes — danseur·euses et chanteur·euses — convoquent chants anciens, tableaux vivants et figures spectrales dans une cérémonie où se frictionnent Orient et Occident, passé et présent, sacré et profane. Entre résurgence historique et invention scénique, l’œuvre réactive une mémoire enfouie et fait de la scène un espace de revenance et de transformation.

Programme

Kassia Undead (2025)

chorégraphie, costumes Lara Barsacq
création musicale Cate Hortl
musique Kassia de Constantinople
création lumière Estelle Gautier
conseils artistiques Gaël Santisteva
accompagnement vocal Jean-Baptiste Veyret-Logerias
historien·ne de l’art Brunella Danna Allegrini
objets et scénographie Ateliers Indigo, Alexandra Siebert, Alice Forsberg, Clara Vandebotermet, Jean Everarts, Magali Cote, Patricia Calà
sérigraphie Frédéric Jamagne
costumes Catherine Somers, Ateliers du Théâtre de Liège

Distribution

interprétation Cate Hortl, Marta Capaccioli, Tarek Halaby, Aymara Parola, Klara Verkin, Els Mondelaers, Agnès Potié, Emma Laroche-Brassié

régie générale Emma Laroche-Brassié
régie son Benoit Pelé

Cet atelier propose un partage des approches et des outils de création développés par Lara Barsacq au fil de son parcours artistique. À partir d’archives, d’images, de récits, de gestes oubliés ou réinventés, ainsi que de l’imaginaire de chacun·e, il s’agira d’explorer différentes manières de produire et de transformer des matériaux de création. Pensé comme un laboratoire d’exploration et d’échange, cet atelier offre l’occasion d’interroger les liens entre mémoire, transmission et création.

Née entendante de parents sourds, l’autrice Véronique Poulain nous fait découvrir dans Les Mots qu’on ne me dit pas le monde des sourd·es et de la langue des signes. Dans son spectacle éponyme, Éric Massé y mêle les témoignages de mères sourdes et fait naître quelque chose qui est bien plus qu’une adaptation bilingue pour le théâtre : un univers fait de bruitages réalisés sous nos yeux, de voix et de gestes, dans lequel se raconte une relation profonde entre une mère et sa fille, que jamais le silence ne sépare. Un quotidien fait de malentendus et de compréhension mutuelle, de complicité et de malaises, des colères et des révoltes de l’adolescence aussi. Convoquant la Langue des Signes Française, qui déploie ici toute son expressivité, ce récit de l’intime est aussi une invitation à la découverte de la culture sourde, des codes de son langage, de l’histoire de son acceptation, du regard porté sur elle par celles et ceux qui entendent. Avec une simplicité touchante, ce spectacle profondément inclusif conjugue avec finesse joies et doutes, amour et humour.

https://www.youtube.com/watch?v=EH4GsWIcLWo

Éric Massé, metteur en scène du spectacle Les Mots qu'on ne me dit pas, nous propose une introduction à la Langue des Signes Française, ainsi qu'une incursion dans les coulisses de fabrication du spectacle.

Une introduction dramaturgique d’une quinzaine de minutes par Barbara Engelhardt, directrice du Maillon, autour du spectacle, en amont de la représentation.

Thésée part s’installer à Berlin, la « Ville de l’Est », avec ses enfants, pour y entamer ce qu’il espère être une vie nouvelle. Mais c’est là-bas que commence le véritable voyage : une exploration entre les strates du temps pour rompre avec tous les silences, un dialogue avec les morts pour guérir les maux du présent. L’histoire des traumatismes familiaux le hante jusque dans son corps, à commencer par le suicide de son frère et le décès de ses parents. À partir du texte magistral et protéiforme de Camille de Toledo, qui convoque poésie, récit et témoignage, Valérie Dréville a proposé à Guy Cassiers de concevoir ensemble une composition où résonnent le chaos de l’histoire, le fracas des conflits européens et les douces promesses des Trente Glorieuses. La comédienne sublime le partage de l’émotion, donne vie aux voix multiples de ce grand récit où s’entremêlent le passé et le présent dans un paysage visuel en forme de kaléidoscope. Une mosaïque sans cesse recomposée d’images et d’archives, miroir éclaté de la quête mémorielle et identitaire de Thésée.

https://www.youtube.com/watch?v=6WMn9q-cfv8

Découvrez l’envers du décor et les différents métiers du théâtre. Votre pause déjeuner se transforme en visite guidée des coulisses du Maillon : ateliers techniques, passerelles, loges n’auront plus de secret pour vous !

Née en France d’une mère française et d’un père ivoirien, Léa Sery porte en elle un héritage que l’immersion dans la culture occidentale a enfoui avec le temps. Il est là pourtant, richesse souterraine ressentie depuis longtemps, que les moyens du théâtre et de la fiction permettent de révéler au jour. Les mots de la comédienne, le son du marimba et le langage dansé de sa sœur qui l’a rejointe sur scène déplient peu à peu le dialogue entre Koïsso et Léa, qui vivent éloignées l’une de l’autre. Un dialogue au fil duquel les sœurs découvrent la puissance émancipatrice de l’art en même temps qu’elles sont confrontées à l’expérience du racisme. Un dialogue où s'élève aussi la voix du père qui les mène à la rencontre de leur grand-mère ivoirienne disparue. Tout comme la musique emprunte tant aux bases classiques qu’à l’Afrique subsaharienne, le récit est hybride, non pas comme la synthèse de deux cultures, mais comme, dans le sens du philosophe Homi Bhabha, la coexistence toujours créatrice des différences.

https://www.youtube.com/watch?v=OVgA3TBEfhc

Un corps élancé et ondulant, comme si la colonne vertébrale suivait un cours d’eau : sur un plateau en carré blanc lumineux, cette silhouette fascinante nous invite à plonger, non dans cette mer qu’ont dû traverser 12 millions d’Africain·es déporté·es lors de la traite transatlantique, mais dans des morceaux d’histoire. L’histoire d’un peuple, du colonialisme, mais aussi celle d’une famille franco-haïtienne, qui s’inscrivent dans le corps de Mackenzy Bergile, artiste pluridisciplinaire inspiré autant par la recherche socio-historique que par le spiralisme haïtien. Ainsi, il parcourt un paysage poétique et politique, déroule un fil mémoriel fragmenté qui tresse traumatismes et références culturelles. Au lieu d’une thérapie autocentrée, Mackenzy Bergile se livre à travers mouvements et tableaux, symboles rituels, mots et musiques dans son soi façonné et habité, blessé autant que nourri par d’autres. En se glissant dans différents costumes, il déploie tout un langage visuel et gestuel, vocabulaire surprenant d’une mémoire devenue manifeste.

On sait que West Side Story est une réécriture de Roméo et Juliette, que Shakespeare lui-même a largement puisé dans des textes anciens, mais peut-être moins que Brecht a « emprunté » son Cercle de craie caucasien à un dramaturge beaucoup moins connu. L’histoire de l’art est une histoire d’emprunts : tel est le constat qui sert de point de départ à Steal This Performance, un spectacle qui porte bien son nom. Dans ce travail de fin d’études mais déjà récompensé par un prix européen, Pauli Patinen nous invite à découvrir la scène comme un cabinet de curiosités rempli de citations théâtrales et performatives. Pas d’hommage cependant, ni de références savantes. Le metteur en scène désacralise au contraire l’idée d’autorité, déconstruit le principe d’authenticité et interroge tant le pouvoir de la création que ce que nous attendons de l’art. Sans aucune ironie, mais avec tout ce qui fait l’art du théâtre : le plaisir du texte, la précision du jeu, mais aussi tous les artifices visuels et sonores qui font du plateau le lieu de l’illusion.

Qu’est-ce qui reste quand le langage se transforme en matière, corps ou silence, quand bien même le texte est au cœur d’un spectacle ? Nicolás Lange, auteur-poète, construit sa première pièce de théâtre sur des cendres : celles d’un prologue brillant qui navigue entre le Moyen Âge et le présent, aborde les violences du pouvoir, les rituels catholiques, les discours queer, les arts et des souvenirs personnels. Mais aussi sur les cendres de ceux qui, au 15e siècle à Florence, ont été accusés de sodomie et brûlés publiquement. Devant un immense tableau de la Renaissance italienne, Lange nous rappelle que ces feux avaient leur parfum propre de fenouil, que l’on brûlait pour couvrir les odeurs de la chair. Mais l’auteur-interprète, avant de laisser la scène à un danseur et de se fondre dans l’opacité, ne cherche pas à transformer ces flammes en lumière et le martyre en récit personnel. Sa pièce travaille à faire disparaître la première personne, le « je », afin de laisser entrer la troisième personne. Pour parler aux autres, à partir des autres, avec les autres.

Ils pulsent, vibrent, sautent inlassablement : neuf danseuses et danseurs conquièrent une scène nue, pour soi et avec l’autre, dans un élan de groupe en perpétuel mouvement. Avec Nimble, Alexander Vantournhout explore des pistes nouvelles. Pas de contrainte matérielle à laquelle se confronter comme dans d’autres projets, pas d’accessoires, mais un plateau vierge comme un champ d’expérimentation. Pour cette nouvelle création, c’est dans la boxe que l’artiste a puisé son inspiration, dans son jeu de jambes si particulier, à la fois mathématiquement précis et toujours prêt à la réaction spontanée. Une base rythmique perpétuelle qui en rejoint ici une autre : celle, plurielle, du corps, faite de mouvements propres à chacun·e et pourtant communs à toutes et tous. Un cœur qui bat, un œil qui cligne, une épaule qu’on hausse : ce sont les instruments d’une symphonie corporelle à laquelle s’ajoute, pour la première fois, une composition sonore que les artistes exécutent sur scène. Autant d’éléments d’un langage qui, partant de l’individu, affirme sans cesse la possibilité du collectif.

Un échauffement physique collectif dans la joie et la bonne humeur avant d’entrer en salle découvrir le spectacle.