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Comment peut-on penser la danse dans le contexte propre à une époque ? Tel est le questionnement que pose Michiel Vandevelde comme point de départ de son spectacle, puisant dans deux sources : la célèbre œuvre de Bach qui lui donne son titre, mais aussi le travail du danseur Steve Paxton dans les années 1970. L’esprit qui animait le champ de la danse était alors sa démocratisation. Une libération de codes la limitant à certains corps et à certains gestes. En s’entourant sur la scène d’Oskar Stalpaert, danseur porteur d’un handicap mental révélé par les réseaux sociaux, et de la danseuse Amanda Barrio Charmelo, Vandevelde donne à voir des corps divers, miroir d’une société plurielle.
Reflet également d’un cadre politique qui évolue : en fond de scène défilent des images du présent, qui reconnectent l’art à d’autre types de mouvements, ceux de masses animées par diverses causes. Plusieurs strates temporelles se superposent alors : les notes de Bach, magistralement interprétées à l’accordéon par Philippe Thuriot, les variations sur une partition corporelle de Paxton, et les emprunts aux mouvements populaires, tant médiatiques que politiques.

Comment peut-on penser la danse dans le contexte propre à une époque ? Tel est le questionnement que pose Michiel Vandevelde comme point de départ de son spectacle, puisant dans deux sources : la célèbre œuvre de Bach qui lui donne son titre, mais aussi le travail du danseur Steve Paxton dans les années 1970. L’esprit qui animait le champ de la danse était alors sa démocratisation. Une libération de codes la limitant à certains corps et à certains gestes. En s’entourant sur la scène d’Oskar Stalpaert, danseur porteur d’un handicap mental révélé par les réseaux sociaux, et de la danseuse Amanda Barrio Charmelo, Vandevelde donne à voir des corps divers, miroir d’une société plurielle.
Reflet également d’un cadre politique qui évolue : en fond de scène défilent des images du présent, qui reconnectent l’art à d’autre types de mouvements, ceux de masses animées par diverses causes. Plusieurs strates temporelles se superposent alors : les notes de Bach, magistralement interprétées à l’accordéon par Philippe Thuriot, les variations sur une partition corporelle de Paxton, et les emprunts aux mouvements populaires, tant médiatiques que politiques.

-> Spectacle en anglais surtitré en français 

Dans cette performance musicale et chantée, aussi drôle que fantasque, l’artiste sud-africaine Ntando Cele aborde la question de la justice climatique. En artiste engagée, elle relève les contradictions du monde occidental, tiraillé entre une écologie « feel-good » et une passion accrue pour la fast-fashion.

Ntando Cele nous transporte dans un univers post-apocalyptique. Ici, plus une âme ne vit, hormis une femme noire, seule survivante d’une civilisation effondrée. Autour d’elle, une montagne de vêtements s’élève, vestiges entassés d’une société consumériste. Elle pleure la diversité perdue, fait des blagues cyniques sur nos vaines tentatives de sauver la planète et s’abandonne à des propos politiquement incorrects, car de toute façon, personne n’est là pour démentir ce qu’elle affirme. 

À ses côtés, trois chanteuses-performeuses, habillées de costumes futuristes, forment un chœur. Elles incarnent tour à tour la voix du peuple, la conscience collective ou ce qu’il reste de bon sens. Accompagnées de beats synthétiques et de rythmes pulsés, elles commentent, réconfortent, et tentent de relativiser.

Pour Ntando Cele, la justice climatique est l’affaire de tous·tes. Or, dans ce contexte, elle estime que seule la parole occidentale résonne. Avec Wasted Land, elle expérimente un décentrement du regard, un déplacement du point de vue essentiel pour comprendre les enjeux contemporains.

Bâtir du commun, bâtir en commun : telle est l’expérience sensible à laquelle invite Ivana Müller. Dans mirages et tendresses, danseuses et performeurs font ensemble l’expérience concrète de la construction. À l’aide de tasseaux de bois et de fils colorés, sur une scène nue, entourée du public, ils et elles échafaudent ensemble une structure, tissent un espace inédit et indéfinissable. Ni un parlement, ni une cathédrale. Un chantier utopique car inutile, c’est-à-dire échappant à l’impératif de l’utilité, avec comme ciment la solidarité, relation essentielle et trop souvent oubliée, qui implique avant tout l’écoute et l’attention à l’autre. Défaire un nœud devient un projet collectif, maintenir un équilibre instable une nécessaire collaboration.
Et tandis que s’élabore cette allégorie, se déploie, porté par les interprètes, le récit d’un nous en quête d’un refuge, lieu de consolation, du repos à l’écart du monde, mais aussi point de départ d’un recommencement. Ivana Müller joint ainsi le geste à la parole, et redonne son vrai sens au mot performance : un faire qui trouve son sens dans le faire lui-même.

Le terme all-over désigne une technique de peinture consistant à recouvrir la surface d’un tableau de façon homogène, sans point focal, centre ou hiérarchie, afin de former un tissu pictural continu. L’œuvre n’est alors plus une fenêtre sur le monde, mais une présence en elle-même, offrant au public une expérience physique et sensorielle. Au cours des années 1950, certains artistes américains associés à cette pratique comme Jackson Pollock, Mark Rothko, Joan Mitchell ou Lee Krasner ont redécouvert avec enthousiasme la série monumentale des Nymphéas, installée au musée de l’Orangerie. Ils ont vu dans ces gigantesques panneaux bleus, verts et violets une saisissante préfiguration de leur propre démarche, et ont trouvé en Claude Monet (1840-1926) un expérimentateur radical, préoccupé comme eux par les questions de surface, de lumière et d’immersion.

Emmanuel Eggermont développe depuis plus de dix ans un univers artistique chatoyant, intégrant de fortes références aux couleurs et aux arts plastiques. Avec la recréation d’All Over Nymphéas, il poursuit son aventure « chromato-chorégraphique » en explorant la filiation qui relie les dernières œuvres de Monet à l’expressionnisme abstrait américain. Sur scène, chorégraphie, musique, scénographie, costumes et accessoires sont inextricablement liés pour composer un jardin fragmenté et graphique en perpétuelle métamorphose. Dix interprètes donnent vie à des nymphéas invisibles dans un jeu de construction-déconstruction sensible et hypnotique, orchestré par un maître de cérémonie espiègle, lointain souvenir du chorégraphe Raimund Hoghe, dramaturge de Pina Bausch, à qui la pièce est dédiée.

à partir de 14 ans

Tout commence par une forme sans forme – donc ambigüe, déjà – blanche étendue de plastique et de tissus amoncelés. Un paysage ? Un organisme vivant ? Sans doute, car voici qu’il bouge, lentement. De cette matrice originelle s’extraient peu à peu des corps, des visages, grimaçant d’abord.
Borda, en portugais, signifie aussi bien la frontière physique que le fantasme, le seuil de la limite intérieure que l’on franchit pour soi. La broderie même, comme un enrichissement perpétuel. Toutes ces dimensions, Lia Rodrigues les active dans un spectacle en forme de métamorphose perpétuelle et ludique, pour laquelle la chorégraphe brésilienne a puisé dans l’arsenal de costumes et d’accessoires de 35 ans de création. Rien ne l’intéresse autant que la mouvance des identités, les lisières comme espaces de l’indécis. Au rythme des percussions et des chants, neuf interprètes les explorent. Chaque mouvement de l’un·e semble donner vie à l’autre, dans une succession fluide de tableaux où se côtoient d’étranges créatures. Fascinant et explosif, Borda est un spectacle baroque souvent truculent, parfois déroutant, toujours insaisissable.

Dub est le résultat d’un voyage au long cours, à la recherche des street dances urbaines à travers le monde. De l’Inde à l’Afrique du Sud en passant par les États-Unis, Amala Dianor, danseur-chorégraphe issu du hip-hop, a arpenté les villes à la recherche de ces langages corporels perpétuellement réinventés. Pantsula, voguing, waacking, krump... venu·es de partout, onze danseurs et danseuses, représentant·es d’une nouvelle génération, en sont les virtuoses, le temps d’un spectacle enthousiasmant, sur la musique électro du compositeur Awir Leon. Signée par le photographe Grégoire Korganow, la scénographie juxtapose sept cases lumineuses et colorées aux échos multiples : lieux précaires et instables, de la chambre à la boîte de nuit, où naissent en petites communautés les danses avant de se répandre ; ensembles urbains d’un monde globalisé qui n’empêche pas mais nourrit au contraire l’inventivité créatrice du corps. Dub est une célébration joyeuse, celle d’une communauté riche de sa diversité que soudent l’énergie et le plaisir communicatif de la danse.