Agenda

AU PROGRAMME
– Fantasie minor de Marco da Silva Ferreira
– Présentation de la saison en images et projection d’un documentaire sur POLE-SUD
– Cercle d’Olé Khamchanla
– Moment convivial dans le jardin

Marco da Silva Ferreira
Fantasie minor

Un début de saison avec un pas de deux ouvert et fraternel sur une musique de Schubert. Marco da Silva Ferreira, chorégraphe portugais rompu à toutes les variations chorégraphiques, donne à deux jeunes interprètes de danses urbaines un espace de jeu virevoltant et fragile. Tout en pulsations, glissés, piqués, complicités, les codes de la musique classique se frottent au hip-hop et construisent ensemble des compositions inédites.

Portugal / Duo / 30′
Création 2022

Olé Khamchanla / Cie Kham
Cercle

Olé Khamchanla a grandi en France et découvre la danse hip-hop avant d’apprendre les danses traditionnelles de son pays d’origine, le Laos. De ce croisement, il fonde son écriture actuelle, en interrogeant l’essence de sa danse, de ses origines du hip-hop à son actuelle hybridité avec la danse contemporaine et les danses traditionnelles de Thaïlande et du Laos. Cercle est un solo puissant et poétique, une performance intime qui nous invite à trouver notre voie, notre équilibre.

France / Solo / 25′
Création 2019 / Recréation 2022

durée 1h

« Que s’est-il passé dans le monde, après la guerre, et l’après-guerre ? La normalité. […] La rage commence là, avec ces grandes, grises funérailles. »

Stimulée par le texte-scénario La Rabbia (La Rage) de Pier Paolo Pasolini, Anna Gaïotti et ses partenaires font résonner un état d’urgence sensible, des luttes intérieures, des mots qu’on ne peut ou ne veut plus prononcer. Le dessin chorégraphique et sonore, tout en vibrations, fait exister un texte absent à travers des corps absolument présents.

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Anna Gaïotti

Anna Gaïotti est performeuse, musicienne claquettiste, poète. Elle fabrique une écriture chorégraphique et musicale qui relie texte et corps. Elle vise à confronter la question de l’émancipation sexuée, les doutes face aux normes, la relève de la fiction sur le réel, la construction et déconstruction d’identités personnelles et communes, la vie face à la mort. Le corps est d’abord un support pour publier une poétique, une façon de militer, endossant humanités et inhumanités. Elle aime dialoguer et collaborer avec des artistes des scènes musicales expérimentales pour chercher et créer des relations. Sa pratique des claquettes l’amène à réfléchir et à toujours requestionner la production et l’acte du son - du rythme - et du geste incarné dans une même entité. Chacune de ses créations tendent à débrider la fracture entre la musique et la danse, celles-ci imprégnées de son univers visuel personnel. Ses écrits sont une sorte de relai pour penser la place du corps et de la danse, posant une regard politique sur la question des survivances, des transitions et transformations dont les peuples et les êtres font preuve.

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de 6 à 26€
12€ avec la carte musica

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conception | Anna Gaïotti
chorégraphie incitée du texte La Rabbia de Pier Paolo Pasolini | Anna Gaïotti, avec la collaboration de Clément De Boever
danse, performance | Clément De Boever, Anna Gaïotti
musique live | Léo Dupleix (Virginal), Jean Bender (électronique modulaire)
création et régie lumière | Sonia Saroya, Agathe Patonnier
sonorisation et régie son | Étienne Foyer

Anna Gaïotti est performeuse, musicienne et poète. Elle fabrique une écriture chorégraphique et musicale qui relie texte et corps endossant humanités et inhumanités. Rage est un projet de performance pour lequel elle rassemble Clément De Boever, performeuse musicienne, Léo Dupleix, musicien compositeur, Jean Bender, musicien électronique, Sonia Saroya et Édouard Sufrin, artistes visuel·le·s. Le public est invité à être autour, actif par sa seule présence, mobile et libre, intégré comme un paysage vivant. La pièce met en lumière différents mouvements de rage, allant des impressions individuelles et communes aux réalités symptomatiques biologiques et politiques. Le temps de Rage est celui de l’urgence, des états de corps au bord et dans l’urgence. Les gestes de collisions, de morsures, de chutes, de fièvre, et de vertige ébranlent les fondations sociales et troublent les contours du corps.

Quand on veut faire une danse, par où commencer ? Sylvain Riéjou prend cette question à bras-le-corps et nous entraîne dans son cerveau en pleine ébullition. Il n’y est pas seul : un chorégraphe intérieur, autoritaire et sarcastique, surgit des enceintes. Avec ce double, qui prend forme avec la vidéo, il dialogue, se contredit, doute. Le dispositif est minimal : un plateau nu, un écran blanc, un vidéo-projecteur, qu’il manipule lui-même. Ce seul (?) en scène, drôle et précis, donne à voir un processus créatif dans ce qu’il a de plus intime : à travers les hésitations, les échecs, les essais. Avec humour, il démonte le cliché de l’artiste tourmenté tout en explorant la part de vérité qu’il peut contenir. Et si le cliché était parfois un passage obligé vers l’émotion partagée ? Cette fable chorégraphique, à la fois pédagogique et décalée, interroge la justesse, le doute et l’élan sincère qui traversent toute création. Tout en réveillant, en nous, de solitaires souvenirs d’adolescent.es dansant devant leur miroir.

Avec Último helecho, le duo Laisné/Chaignaud poursuit son exploration des folklores dansés et chantés pour inventer un art vibrant, ancré dans des mémoires croisées. Fruit de résidences en Argentine, le projet interroge les racines de formes chorégraphiques et musicales occidentales pré-modernes, en tissant un dialogue sensible entre les continents. En invitant la chanteuse Nadia Larcher, figure incontournable de la scène folklorique argentine, ils approfondissent leur quête d’une fusion entre voix et geste. Zambas, chacareras ou huaynos nourrissent leur écriture : danses de couple, musiques de la mémoire, où résonnent les timbres singuliers du charango, de la harpe ou de la vihuela. Les infinies nuances des danses à deux — des étreintes amoureuses du chamamé aux joutes du contrapunto de malambo — deviennent le cœur du mouvement. Entre opéra baroque et fête populaire, Último helecho invente une forme sensorielle et incarnée, guidée par l’élan du chant et la force du duo.

Indispensables lieux de fabrique, les CDCN permettent chaque année à des dizaines d’artistes de créer de nouveaux spectacles dans de bonnes conditions techniques et financières. À POLE-SUD, un grand espace leur est dédié et nous participons, grâce à ce dispositif financé par le Ministère de la Culture et les collectivités locales, à la production d’œuvres régionales, nationales et internationales.   

Certaines de ces résidences ouvrent leurs portes au public. Ces « travaux publics » sont l’occasion de découvrir gratuitement une étape de travail. Dans certains cas, des soirées 2 en 1 vous permettent de suivre le travail en cours d’une compagnie en résidence à 19:00 et un spectacle de notre saison à 20:30.

Quelques choses est un trio chorégraphique pensé comme un théâtre d’objets et de choses à l’intérieur duquel les corps s’amusent à découvrir et investir la profondeur des significations des objets qui participent à nos quotidiens. Les protagonistes, semblables à des chercheurs, inventent et donnent à voir une multitude d’expériences et de situations avec la chose, jouant des dimensions réalistes et fantastiques des créations d’images, jusqu’à devenir eux-mêmes objets de l’expérience.

Résidence : LU 06 > VE 10 OCT

Pourquoi, dans une comédie musicale, tout le monde se met-il soudain à chanter et à danser ? Ce genre, à la fois populaire et artificiel, révèle une tension entre spontanéité et mise en scène, entre sincérité et spectacle. Dans son nouveau solo Astéroïde, Marco D’Agostin, chorégraphe et interprète italien, interroge cette mécanique avec autant de profondeur que de décalage. Il imagine un artiste venu parler de la chute d’un astéroïde sur Terre. Mais peu à peu, une force étrange s’empare de lui : le mouvement déborde la parole, la voix se désynchronise, le corps dérive. Le spectacle glisse vers un show à la Broadway, avec ses séductions et ses pièges. Faut-il résister ou céder à l’appel irrésistible de la scène ? Déjà accueilli à POLE-SUD avec Best Regards (2021) et Gli anni (2022), Marco D’Agostin poursuit ici son exploration d’un théâtre chorégraphique où le récit se heurte au désir de performance. Quelle forme peut naître de cette collision entre langage, corps et divertissement ?

Hervé et Yoann sont deux amis qui aiment les promenades tranquilles… Observer les insectes, écouter les oiseaux, sentir le vent. Mais un jour, ils se lancent dans une quête fabuleuse : retrouver le poisson qui vit dans les arbres… Petits et grands sont invités à les suivre dans un univers visuel projeté sur grand écran, comme un livre ouvert devenu vivant. Entre dessin-animé, danse et jeu d’acteur, les deux complices explorent un monde peuplé d’animaux réels ou imaginaires. Le spectacle est né d’une amitié et d’une expérience partagée pendant le confinement : le chorégraphe Sylvain Riéjou a appris, aux côtés de l’auteur-dessinateur Hervé Walbecq, à observer les animaux autrement, à dialoguer avec eux par le corps, l’écoute et l’attention — un langage proche de la danse. Cette première collaboration artistique, inspirée du recueil de nouvelles J’attends les tritons (Éd. La Joie de lire, 2024) d’Hervé Walbecq, fait surgir une fable joyeuse et sensible où le mouvement devient un outil de lien, de jeu et d’amitié.

+7 ans

« Il n’y a pas de plus grande joie que de se cacher et de plus grand malheur que de ne pas être découvert » écrivait William Somerset Maugham. Dans Señora Tentación, créées par Marie Dilasser, deux femmes sexagénaires nous racontent le grand secret qui les anime deux jours par semaine : leur amour passionné. Celui-ci est caché par une jungle foisonnante qu’arrose Brigitte Seth, la concierge. Si elles en sortent, c’est pour le clair-obscur de la cage d’escalier, territoire de Roser Montlló Guberna, la femme de ménage. Les deux nous disent cette relation, avec force images allant jusqu’à l’érotisme ; elles le dansent aussi, avec allégresse et timidité. Devant nous, la force de l’âge qui fait récit et la vibration adolescente de la rencontre amoureuse. En creux, il y a le regard des autres, que l’on craint malveillant, insultant, discriminant, mais que l’on espère attentif, soutenu, aimant.

Indispensables lieux de fabrique, les CDCN permettent chaque année à des dizaines d’artistes de créer de nouveaux spectacles dans de bonnes conditions techniques et financières. À POLE-SUD, un grand espace leur est dédié et nous participons, grâce à ce dispositif financé par le Ministère de la Culture et les collectivités locales, à la production d’œuvres régionales, nationales et internationales.   

Certaines de ces résidences ouvrent leurs portes au public. Ces « travaux publics » sont l’occasion de découvrir gratuitement une étape de travail. Dans certains cas, des soirées 2 en 1 vous permettent de suivre le travail en cours d’une compagnie en résidence à 19:00 et un spectacle de notre saison à 20:30.

La nouvelle création d’Akiko Hasegawa, conçue pour deux interprètes, interroge la variété et les couleurs des sentiments qui surgissent avant, pendant et après une cérémonie, un rite de passage. Au fur et à mesure du temps qui avance à l’approche de cet évènement, les états de corps liés à ces émotions se modifient. L’appréhension de la nouveauté, la peur de l’inconnu prennent place et sont souvent perçus comme dangereux. Une pièce qui nous plonge dans l’imaginaire des corps et de ses métamorphoses.

Résidence : LU 10 > SA 15 NOV

La Sud-africaine Robyn Orlin nous offre le fruit de sa rencontre avec Garage Dance Ensemble, compagnie de danse professionnelle dirigée par Alfred Hinkel et installée à Okiep, ville de la province du Cap-Nord. Sur cette terre vit un groupe descendant des cultures namas et indiennes et parlant une forme réappropriée d’afrikaans. Florissante au XIXe siècle du fait de l’exploitation de son importante mine de cuivre, la ville est aujourd’hui vouée à la paupérisation et installée sur un désert. Mais, après les pluies d’hiver, les sols se recouvrent d’un tapis de 3 500 espèces de marguerites sauvages… Un beau prétexte à célébrer la joie et la poésie. Les motifs d’éclosion et de floraison sont pléthore au plateau, tant dans les boucles chantées et tournoyantes du groupe uKhoiKhoi, que dans les solos où les corps jouent à entrer et sortir de tas de vêtements chamarrés. Mais la chorégraphe aime à multiplier les points de vue : avec des surplombs vidéo, les corolles deviennent encore plus chatoyantes.

Poucet est devenu adulte et il continue à ramasser des pierres. Il les connaît bien, désormais, il sait leur histoire, à chacune. Un jour, sur un plateau de théâtre, il reconnaît l’une d’elles. Il se rend compte qu’il est revenu là où tout a commencé et se met à raconter son histoire, toujours guidé par ses cailloux. Pour ce spectacle, Marion Lévy s’est assurée le concours de Mariette Navarro qui a écrit un texte direct, fait de situations concrètes dans lequel les enfants dès cinq ans peuvent s’identifier. Mais la réalité a toujours son versant poétique, que transmet le mouvement. Avec la voix se tisse une danse qui prend racine dans quelque chose qui a à voir avec le mime. Danse du vent ou danse des cicatrices, la situation devient l’occasion de faire ressentir le plaisir de l’espace : courir, sauter, voler, etc. Et ce plaisir n’est peut-être pas simplement visuel car il se pourrait bien que Poucet embarque ses petits complices dans la création de la danse…

+ 5 ans

Dans Amours Aveugles, Koen Augustijnen et Rosalba Torres Guerrero revisitent deux chefs-d’œuvre de Monteverdi : Orfeo (1607), où le poète perd Eurydice pour toujours aux enfers, et Il Combattimento di Tancredi e Clorinda (1624), où deux amants s’entretuent sans se reconnaître. Ces récits d’amours impossibles et tragiques, traversés de passions contradictoires, deviennent matière à une danse intense et bouleversée. Trois couples se partagent la scène : deux danseur·se·s, deux accordéonistes et un duo lyrique. La musique baroque y est interprétée exclusivement à l’accordéon, un choix inattendu et audacieux. Instrument populaire par excellence, l’accordéon imprime aux œuvres savantes une sensualité nouvelle, entre bal, tango et lyrisme. Cette réinvention musicale ouvre un espace vibrant où le tragique s’enracine dans le désir, où les corps, guidés par leur pulsion vitale, se contournent et se heurtent. Une manière de rendre Monteverdi profondément contemporain, charnel et accessible.

Un des principes du réseau européen Grand Luxe est de faire circuler et se rencontrer des artistes issus de plusieurs pays. Les neuf partenaires de ce réseau proposent donc à leurs artistes d’aller à la rencontre d’autres réalités, de rencontrer les scènes locales et de poursuivre leur projet de recherche.

Certaines de ces résidences ouvrent leurs portes au public. Ces « travaux publics » sont l’occasion de découvrir gratuitement une étape de travail. Dans certains cas, des soirées 2 en 1 vous permettent de suivre le travail en cours d’une compagnie en résidence à 19:00 et un spectacle de notre saison à 20:30.

Efthimios Moschopoulos est un danseur et chorégraphe grec actuellement basé à Athènes. Ce projet Fae place la table, au centre de sa recherche. Une table qui serait un lieu de rencontre, un confessionnal bucolique distillant à la fois la tendresse et la violence de la campagne, sa solitude et l’angoisse de son identité, son besoin d’expression et la formation de sa sexualité. Une table comme un support pour partager ses souvenirs et ses références à la nourriture, le dîner en tant que pratique sociale.

Résidence : LU 08 > JE 18 DÉC
Résidence soutenue par le réseau Grand Luxe

Dans Planètes, de Jérôme Brabant, sept danseurs et deux chanteuses incarnent un système solaire en mouvement. Inspiré par Disharmony of spheres de Foo/Skou, le chorégraphe crée une danse cosmique où chaque corps devient matière : pierre, glace, gaz, etc. Les notes légères et soupirées du duo Philipp | Schneider s’étirent et se fondent dans des nappes créées par Nicolas Martz, qui laissent imaginer le chant des étoiles et créent une atmosphère en apesanteur. La gestuelle est précise, nette, inspirée par l’observation des formes courbes et organiques des mouvements des planètes. Mais chacun des interprètes tient sa propre partition, comme chaque corps céleste a sa propre orbite. De décalage en décalage, un cycle hypnotique se fait sentir, soutenu par les lumières hallucinées de Françoise Michel – évocation subtile du voyage final de 2001, L’Odyssée de l’Espace. L’espace-temps s’étire. La pièce explore l’ordre et le chaos, évoquant une quête d’harmonie face aux dérèglements du monde.

Avec Agwuas, Marcela Santander Corvalán poursuit sa trilogie des éléments. Après la terre avec Bocas de Oro, c’est l’eau qui affleure : océans, glaciers, larmes, sueur… autant de flux naturels et corporels qui irriguent une danse organique, ancrée dans le souffle et la voix. Aux côtés de Gérald Kurdian – musicien·ne, performeur·euse et DJ – elle tisse un dialogue entre gestes et chants, traversé par les résonances d’instruments à eau conçus par Vica Pacheco, inspirés de formes précolombiennes. L’espace scénique, imaginé par Leticia Skrycky, s’ouvre au public : sans gradins, fluide, baigné de lumière, il accueille les déplacements, les écoutes, les immersions sensibles. Dans ce rituel partagé, les danses réinventent les gestes d’Amérique du Sud, les voix convoquent des mythes marins, et les corps cherchent dans les eaux passées les formes d’un soin collectif à venir. Un courant à traverser ensemble, entre écoute, vibration et transformation.

Avec À l’aune de leurs peaux, Marie Barbottin donne la parole à cinq femmes de cinquante ans, qui furent, dans son regard de jeune interprète, des figures inspirantes et fondatrices. À rebours des injonctions à la jeunesse qui marquent encore fortement le monde de la danse, elle leur offre un espace de création et de visibilité. En complicité avec la philosophe Camille Froidevaux-Metterie, elle construit avec elles une sororité sensible et politique, qui célèbre un désir artistique toujours vivant. Les corps y sont montrés dans leur pleine maturité, puissants, vibrants, libérés du regard normatif. Elle prolonge les questions soulevées dans La chambre d’eaux (2022), où elle explorait les rêves d’avenir des enfants. Ici, c’est au mitan de l’existence qu’une autre ambition s’affirme : celle de continuer, de persister, de se réinventer. Ici, c’est le temps qui agit comme révélateur. La nouvelle pièce devient alors un manifeste contre le jeunisme et pour la réinvention des représentations féminines.

3 jours, 3 nuits déploie une activité chorégraphique qui tient à la fois du géologique et de l’humain. Seule en scène, Louise Vanneste entre en résonance avec les métamorphoses des roches, l’érosion, le feu, les montagnes en formation. Sa gestuelle traduit frottements, chocs, intensités, comme une matière traversée de forces physiques et telluriques. Elle interroge un temps étiré, presque inhumain, celui des roches en lente transformation, qu’elle fait dialoguer avec la fragilité, la chaleur et la résistance du corps. En partant d’un long travail d’observation passant notamment par le dessin, elle sculpte le mouvement, la voix, investit des textes littéraires, écrit le son, pour composer une forme sensible qui relie l’infiniment lent au présent vibrant. Cette traversée solo, à la fois sensorielle et incarnée, devient expérience partagée, un rituel à vivre ensemble, où l’épaisseur du monde se déploie à travers les strates du corps.

Elles sont quatre femmes sur scène, quatre danseuses hip-hop réunies par la chorégraphe Sandrine Lescourant. Elles prennent la parole frontalement, sans détour ni honte, pour dire ce qui les anime : leur choix d’intégrer un monde réputé masculin et brutal — celui du hip-hop — mais où elles ont trouvé une communauté, une liberté, une manière d’exister pleinement. Elles racontent leur parcours, leurs doutes, leurs colères, leurs joies, cherchent les mots pour dire ce que le corps exprime quand il danse. Tour à tour interprètes, poétesses, chanteuses ou comédiennes, elles livrent des solos intimes et puissants, puis se rejoignent dans des danses de groupe qui résonnent comme des battles — là où elles ont grandi, appris, lutté. Le sol tremble, les gestes bruts frappent avant d’être stylisés, portés par la musique. Mais il y a aussi l’écoute, la douceur, les transmissions. RAW est un acte d’émancipation : une célébration de la puissance des femmes, de leurs récits et de leurs corps en mouvement.

Avec Histoire(s) Décoloniale(s), Betty Tchomanga revisite le cours de l’histoire tel qu’on a pu l’entendre à l’adolescence dans un format léger permettant une adresse directe à tous les publics. Quatre interprètes, danseur·euse·s, comédien·ne·s et chanteur·euse·s, se relaient derrière un bureau pour livrer leur leçon dans une disposition reprenant celle d’une salle de classe qu’ils vont bousculer par leurs paroles et leurs mouvements. À travers le krump, le raï, la pantomime ou les danses traditionnelles béninoises, les interprètes interrogent, chacun à partir de son histoire personnelle, la manière dont sont racontés les liens entre l’Afrique et l’Occident. Chronologie occidentalo-centrée, expérience de l’adoption, double nationalité, conflits décoloniaux ou encore tradition orale des contes : les récits dominants sont mis à l’épreuve, réécrits depuis le corps. Autant de façons de dire l’histoire autrement, de rouvrir les perspectives intimes et politiques, dans un geste dynamique, frontal et généreux.