Agenda

Cela commence par un éblouissement. De la lumière blanche. Des voix émergent. Ce dont elles témoignent nous saisit – nous déposons les armes – et nous écoutons.

Né à Beyrouth, Ali Chahrour veut de sa danse qu’elle soit le reflet du contexte politique et social de sa culture. Dans When I Saw the Sea , il travaille les répercussions intimes du système Kafala. Dans ce dispositif juridique en vigueur au Liban et dans certains pays du Golfe, l’employeur devient le parrain légal du travailleur immigré sans pour autant que celui-ci soit protégé de son arbitraire.

Ali Chahrour travaille à partir de témoignages de femmes qui ont été victimes de cette mécanique dans des pays frappés par la guerre et qui y ont survécu. Enregistrés et diffusés ou racontés au plateau par les interprètes, il les tisse avec la musique d’Abed Kobeissi et la voix céleste de Lynn Adib. Mais c’est définitivement par les corps de Zena Moussa, Tenei Ahmad et Rania Jamal, qui dansent autant qu’ils évoquent des scènes vécues, qu’il y a libération, consolation et espoir.

https://vimeo.com/1078670526

Véritable outil pour la création, le dispositif « accueil-studio » financé par le Ministère de la Culture et les collectivités locales permet à des chorégraphes de disposer d’un espace de travail et de moyens de production. Ces résidences de création, réparties sur l’ensemble du territoire grâce au réseau des Centres de Développement Chorégraphiques Nationaux, permettent chaque année à des artistes régionaux, nationaux et internationaux la création de nouveaux projets. Certaines de ces résidences ouvrent leurs portes pour permettre au public de découvrir une étape de travail lors de soirées baptisées chez nous « travaux publics ». Dans certains cas, des soirées 2 en 1 vous permettent de suivre le travail en cours d’une compagnie en résidence à 19:00 et un spectacle de notre saison à 20:30. Danseur et chorégraphe suisso-iranien, formé à la Rotterdam Dance Academy aux Pays-Bas, Kiyan Khoshoie est à présent installé en Suisse. Ses deux solos Grand Écart et Wannabe ont été présentés à POLE-SUD ces dernières saison. Cette nouvelle création en cours avec cinq interprètes sera une célébration douce, joyeuse et puissante. Une (re)découverte de ce qui éveille en nous le désir de bouger, de nous connecter à notre propre corps et de nous relier aux autres, par la danse. Un spectacle comme une invitation à faire du corps un lieu de ressourcement, à puiser dans le mouvement une énergie nouvelle, une force intime et, ainsi, ouvrir la voie à la rencontre de rythmes pluriels, à des récits de corps multiples. Résidence : LU 12 > VE 16 OCT Création janvier 2027

Au sortir de la chrysalide, le papillon déploie pour la première fois ses ailes. Puis il s’envole. Pour le chorégraphe japonais Kazuo Ono, la danse se situe dans ce moment avant l’envol où l’air touche les ailes. C’est sur ce motif de la conversion qu’Akiko Hasegawa propose une pièce en trois solo et un trio. Les interprètes sont invité·es à investir un souvenir de cérémonie de passage – mariage, anniversaire, … Chacun·e s’attarde sur le moment qui précède la bascule – la sensation de l’appréhension, ce qui nous traverse dans le temps de la préparation, les gestes qui viennent, les habitudes ancrées. Jusqu’aux mantras, mots et musiques, nourrissant l’émotion qui accompagne la traversée : ils sont retrouvés, enregistrés et recomposés par Marine Angé. Comment revivre, réactiver ces premières fois, uniques, qu’on ne peut plus que raconter ? Une minutieuse étude des sentiments et du corps, dans la lignée de ses deux premières pièces Haré Dance et Kanashimi , dans un espace dépouillé qu’Ondine Trager éclaire toujours avec la même attention.

Le réseau Grand Luxe prend appui sur huit structures, issues de six pays différents : la France, la Belgique, le Luxembourg, la Suisse, l’Allemagne et le Portugal. Véritable outil de recherche et de création, il propose, depuis plus de dix ans, un accompagnement itinérant et à la carte, permettant à des artistes choisis dans chacun de ces territoires de trouver des ressources ou des chemins pour leurs créations. Porteur et initiateur de très nombreuses pièces au fil des ans, le réseau organise tous les deux ans une vitrine de ce savoir-faire et donne un espace de visibilité à ces artistes. Cette plateforme « Happy Days » réunit à la fois des projets en cours et des créations ayant bénéficié de cette aide. Outre des temps de programmation ouverts au public à partir de 19:00, des rencontres professionnelles et des moments de convivialité sont proposés pendant deux jours.

MA 17 NOV

16:30- Studio > Emma Saba – Jalousie des tempêtes

18:00 – Studio > Marie Cambois – Je danserai(s) seule avec vous (création en cours)

19:00 – Plateau > Léo Gras – coeur doux. (création en cours)

21:00 – Plateau > Jonas Frey – Doisri

ME 18 NOV

14:30 > 16:00 – Studio > Présentation des projets de Caroline Allaire – Collège Anatomie, Leslie Mannès – À nos chères, Karolin Stächele – Uncharted, Maureen Nass – Urtica

16:30 – Studio > Catarina Barbosa – Kill me gently : swan lake, a beautiful Obscenity (création en cours)

17:30 – Studio > Matteo Seda – The Perfect Moment (création en cours)

18:30 – Studio > Audrey Merilus – Moved by the Memories of Affects (présentation vidéo)

19:00 – Plateau > Wura Moraes – Reverberações

21:00 – Plateau > Ludovico Paladini – Golden Gore

Ouvert uniquement aux professionnels sur réservation : invitation@pole-sud.fr

Présenté par le Réseau Grand Luxe : POLE-SUD CDCN Strasbourg FR / Grand Studio – Bruxelles BE / CCN – Ballet de Lorraine – Nancy FR / L’Abri – Genève CH / TROIS C-L | Maison pour la danse – Luxembourg LU / CCN·Ballet de l’Opéra national du Rhin – Mulhouse FR / Theater Freiburg DE / Teatro Municipal do Porto PT .

Avec la participation de la Ville de Strasbourg, la Région Grand Est, la Collectivité européenne d’Alsace et l’État (Direction des affaires culturelles du Grand Est) dans le cadre du Contrat triennal 2024-2026 « Strasbourg, capitale européenne » et de son fonds « Culture ».

Avec l’aide du Centre Wallonie Bruxelles Paris, Wallonie-Bruxelles International.

Tout public Les conférences mettent en conversation un chorégraphe invité dans la saison de POLE-SUD et un enseignant chercheur qui explorent ensemble les différentes facettes de l’artiste.

C’est un travail de danse documentaire, presque archéologique que nous présente l’italien Alessandro Sciarroni. À travers des archives vidéo des années cinquante, et en collaboration avec le maître à danser Giancarlo Stagni, il fait revivre la Polka Chinata (qu’il a découvert en 2018 alors que seuls cinq danseurs la pratiquaient encore en Italie), danse de couple spiralée et virtuose pour deux interprètes masculins.

Loin de la reconstitution muséale, le chorégraphe, qui aime les gestes clairs, nets, économes, sait composer une pièce où tout semble se répéter mais dont les ressorts et la progression émotionnelle se cachent dans les détails : puissance ou délicatesse de la prise du partenaire, directions de regards, sourires, fragilité d’un vêtement. À jouer, en spirale, de la force centrifuge, les deux interprètes sont au bord de se laisser griser par la vitesse. Mais s’ils gardent la maîtrise des choses, le public, qui les entoure à la manière d’un écrin, lui, ressort de ce bref moment hypnotisé.

https://vimeo.com/368651600

Une aube ; des roses qui dorment ; la lune et le soleil… Sept interprètes, presque angéliques, émergent du fond noir du plateau. Dans la nudité de l’espace scénique, simplement parsemé de quelques étoiles et des micros suspendus pour retenir leurs délicates voix, ils semblent s’approcher lentement et viennent nous chanter des paroles d’humanité. Ce qui danse, ici, c’est la lumière, qui parcourt les heures du jours, et les visages ouverts des interprètes, jamais très loin de la grâce. Ces chants composés pour certains par des maîtres italiens contemporains entre 1968 et 2024, explorent les thèmes universels de la nature, du passage du temps au rythme des saisons, de l’amitié et du divin. Face au mystère de l’existence, ils célèbrent la joie de vivre malgré sa fragilité.

U. (un canto) est un concert de chant choral mis en scène par le chorégraphe Alessandro Sciarroni. Un pari audacieux relevé par un artiste qui sait nous en imposer par son habituelle simplicité.

https://vimeo.com/1027675297

Voilà un bien étrange sextet qui entre sur scène. Le premier interprète semble mimer un hautboïste mais les sons – d’où sortent-ils ? – ressemblent plutôt à des gargouillis. Chacun entre, les uns après les autres. Mais qu’on ne s’y trompe pas, ce qui semble au départ être une plaisanterie potache évolue, par le fait même de la répétition du motif et de ses déformations constantes, vers une performance musicale et chorégraphique impressionnante.

Nous sommes transportés bientôt vers une dimension plus spirituelle. Les performeurs expérimentent le sentiment d’infinité : ce qui n’aurait ni commencement, ni fin, et qui se poursuit dans une boucle éternelle. Sur le principe des circles song, chacun propose un rythme, un son, un geste, qui nourrit l’énergie rythmique du groupe. En retour, l’énergie de l’ensemble porte chaque individu à moduler petit à petit ce qu’il fait. Dès lors, on assiste à une étude minutieuse de leurs interactions : comment jouer, transformer et changer l’espace par les mouvements et les voix ?

https://vimeo.com/1107792777

Silvia Gribaudi, dans un costume blanc tout aussi impeccable que stylé, occupe le plateau pour un solo qui a de l’énergie à revendre. Mais elle n’est jamais seule : le public est là comme un chœur. Elle descend du plateau, lui donne le micro, l’interpelle, s’amuse avec et de lui – le lâche, parfois, pour groover sur un son électro – le reprend, le mobilise. Elle convoque également quelques puissantes compagnes : Isadora Duncan, Pina Bausch ou Anna Pavlova, figures de liberté et d’inventivité gestuelle.

Forte de ces soutiens, elle s’offre entièrement avec ses cinquante et quelques années, avec son corps engagé dans la performance. Tout en jouant sur les codes du clownesque et de l’autodérision, elle nous invite à nous amuser de notre regard. De notre regard sur son corps, mais aussi sur le nôtre et puis, pourquoi pas détourner la tête et rencontrer notre voisin·e de siège…

https://vimeo.com/1065416102

Véritable outil pour la création, le dispositif « accueil-studio » financé par le Ministère de la Culture et les collectivités locales permet à des chorégraphes de disposer d’un espace de travail et de moyens de production. Ces résidences de création, réparties sur l’ensemble du territoire grâce au réseau des Centres de Développement Chorégraphiques Nationaux, permettent chaque année à des artistes régionaux, nationaux et internationaux la création de nouveaux projets. Certaines de ces résidences ouvrent leurs portes pour permettre au public de découvrir une étape de travail lors de soirées baptisées chez nous « travaux publics ». Dans certains cas, des soirées 2 en 1 vous permettent de suivre le travail en cours d’une compagnie en résidence à 19:00 et un spectacle de notre saison à 20:30. Chorégraphe et interprète installée à Nancy, Marie Cambois développe depuis plus de vingt ans une recherche à la croisée de la danse, de la musique, de la lumière et du jeu théâtral. Cette nouvelle pièce est un solo performatif pensé comme une forme légère, mobile et autonome. Accompagnée du musicien Anthony Laguerre, Marie Cambois compose un espace mouvant où danse, son et image dialoguent dans un même flux. La pièce explore ce qui apparaît lorsque l’on est seule face au public, comment peu à peu, une créature scénique émerge, fragile et multiple. Accompagnée du regard de Jérôme Marin alias Monsieur K, elle poursuit ici sa recherche autour de la porosité entre les arts et de la puissance évocatrice du corps seul en scène. Résidence : LU 07 > VE 11 DÉC Création 2028

Six personnages vivent dans un espace qui ressemble à une maison mais où les tableaux tombent pour en révéler d’autres, où les lampes se déplacent toutes seules. À quel moment de l’histoire arrive-t-on ? Au début, au milieu, à la fin ? Pris dans un tourbillon de possibilités, ils dansent, ils chantent et ils se disputent, jusqu’au vertige, jusqu’à la chute, dans un joyeux chaos de cris et de rires, de sautes d’humeurs. Mais, la nuit, une créature chevelue traverse la scène en courant. Est-ce un monstre sorti de nos cauchemars ou seulement l’image de l’autre que l’on montre du doigt ? Comme dans une chambre d’enfant, où les récits sont en latence, ces protagonistes vont jouer avec ce qu’ils ont à disposition pour faire émerger des bribes d’histoire et joyeusement conjurer les peurs.

Inspiré de Max et les maximonstres , ce spectacle vitaminé, fort en couleurs vives et pressenti pour les Molières 2026, s’adresse aux petites terreurs et leurs parents.

https://www.youtube.com/watch?v=slbeNfIOx2Q

Une jeune femme épluche des pommes de terre dans la cuisine. Cela ressemble à un souvenir de la chorégraphe Catarina Barbosa qui a vécu la même scène, avec sa grand-mère, pendant que les hommes se préparaient tranquillement pour manger. Mais là où la chorégraphe n’a vécu une révolte qui n’était qu’intérieure, son alter ego sur scène sort de ses gonds, dès le moment où Amalia Rodriguez, star du Fado, chante à la radio : “C’est la volonté de Dieu / Que je vive dans cette anxiété / Que tous les malheurs soient les miens / que toute nostalgie soit à moi”. Elle commence à danser avec les torchons, à singer les tâches ménagères, à en exagérer les gestes, à disperser les patates dans toute la maison.

Elle donne à sa pièce une ambiance sépia et on ne sait plus vraiment à quel temps on se situe – la jeune femme qui cherche à subvertir une situation qui pourrait l’enfermer, est-ce elle ou sa grand-mère ? Et qui ce corps nargue-t-il ? Qui libère-t-il ?

https://vimeo.com/1144497607

Des silhouettes dressées aux torses nus habillés d’un simple boléro sortent de l’ombre. Dans le silence, l’une d’elles s’avance lentement. Elle lève les bras, gonfle le torse, nous regarde droit dans les yeux. L’un après l’autre, les sept interprètes se présentent, gestes rapides, nets et amples, reprises fermes, apnées suspendues, mais aussi ondulations du bassin. Derrière eux, qui les habite, il y a une figure : Carmen Amaya, danseuse flamenca, chanteuse, actrice du début du XXe siècle qui s’est construite elle-même.

Sans chercher à reproduire sa danse, c’est à elle qu’Aina Alegre consacre sa dernière pièce. La rencontre se fait avant tout sur la force de frappe – littéralement – qui habite la figure tutélaire. Alegre cherche à se connecter à la danse d’Amaya, par des voies sonores, rythmiques, toniques, énergétiques, mais c’est surtout le flux rageux de la danse, direct et vivant, qui les relie.

https://vimeo.com/1073863318

Réseaux sociaux, publicité, visioconférences, conversation sur haut-parleur, musique écoutée sans écouteurs… Nous sommes constamment sollicités dans nos vies urbaines – même si nous ne demandons rien. Mais ne sommes-nous pas habitués à ce bruit ambiant ? La vie, le mouvement, les formes ne s’y frayent-elles tout de même pas un chemin pour nous interpeller, parfois ?

Katerina Andreou explore la confusion et l’érige en outil créatif dans sa première pièce de groupe. Le spectacle se construit dans un bruit constant, magma physique et psychique de gestes, de voix, de sons, d’effets lumineux entrecoupés de noirs brutaux. Tous les signaux y sont instables et l’espace éclaté. Au sein de ce capharnaüm, elle laisse émerger le désir d’être ensemble et autorise, par des arrêts ou des unissons fortuits, des images à se suspendre, suffisamment longtemps pour qu’elles nous parlent. Elle laisse ainsi entrevoir des espaces de répit et de retrouvailles possibles.

https://vimeo.com/981266540

Nos héros s’incarnent dans des corps bien précis. Ces corps façonnent nos imaginaires de puissance, de victoire et de pouvoir, à tel point peut-être que nous désirons leur ressembler. La jeune chorégraphe Zoé Lakhnati s’interroge sur ce rapport de fascination : et si les héros représentaient des idéaux capitalistes dans lesquels nous sommes enfermés et dont nous devrions nous libérer ? Elle nous offre ainsi une galerie de personnages apparaissant dans leur costume de gloire. Mais, très vite ils apparaissent dans des habits mal taillés, où leurs mouvements, leurs postures et attitudes montrent les faiblesses des héros et les font sortir de leur enveloppe. Chaque figure (le chevalier, le bodybuilder, l’espion, …) commence alors un processus de disparition, contre lequel il est impossible de lutter.

Solène Wachter aime explorer l’envers du décor. En 2025, dans Logbook , avec sa complice Bryana Fritz, il s’agissait de travailler à partir de tout ce qui peut être abandonné dans un processus de création. Cette fois-ci, c’est au cinéma de blockbusters que la chorégraphe s’intéresse. Et à un métier bien particulier, demandant un entraînement physique de haut niveau : celui de cascadeur. C’est avec ses outils de danseuse qu’elle vient interroger, imiter, déplacer le travail de corps qu’il y a derrière ces scènes impressionnantes. En coulisses, des corps se préparent à des mouvements impossibles qui nous paraissent pourtant le comble des capacités de nos physicalités. C’est bien ce paradoxe qui est au cœur de la pièce de Solène Wachter. Elle y invente une danse inspirée d’une prise d’espace dangereuse, qui peut se solder par l’échec : chute ou impact. Elle met à nu les mécanismes d’une danse de blockbuster, sans pour autant gâcher le plaisir du suspense.

Pourquoi lisez-vous ce texte ? Qu’avez-vous besoin de comprendre, de classer, de nommer ? Pourquoi cherchons-nous toujours à catégoriser le sens ? Sur un panneau, un mot en rouge apparaît. En autorisant le sens des mots et des gestes à s’échapper, Johana Malédon nous invite à nous méfier des mots, de ce qu’ils nomment, de ce qu’ils désignent des corps. Elle crée, en s’appuyant sur son vêtement et en jouant des éléments du plateau brut, un espace imaginaire riche en images et en évocations. Nous sautons avec elle d’une image à l’autre, d’images de danseuses, de personnages de films, noires ou blanches, d’aujourd’hui ou du passé. La pièce ressemble à un film en accéléré, mis en pause, qui saute, qui revient en arrière, sans le son. Il ne reste plus qu’à faire confiance à notre propre esprit critique pour interpréter ce qui se joue devant nous. Et à prendre plaisir des métamorphoses que la danse nous offre.

Le monde actuel, selon Jann Gallois se présente sous des jours inquiétants. La nouvelle co-directrice de l’Agora, Cité Internationale de la Danse de Montpellier se demande quelles ressources contre la destruction, la haine et la violence, la danse peut-elle offrir. Quelles réponses le corps féminin peut-il dresser contre l’adversité ? Imminentes propose une alternative vibrante. Dans des couleurs qui évoquent un bouquet de pivoines ou de tulipes, mais aussi le feu et la fourrure de fauves, la chorégraphe convoque la puissance féminine, avec six interprètes virtuoses. Leurs voix résonnent ensemble, depuis le murmure jusqu’au cri, chassent l’obscurité. La danse, frontale, à l’unisson, démonstrative, physique, réinvente des rites magiques où l’on puise la force dans la terre. La chorégraphe nous plonge dans une énergie réparatrice et nous élance dans une vague commune où le sourire, malgré le risque de l’épuisement, ne lâche jamais.

https://vimeo.com/1161832829

Nous avions découvert la gravité sereine de Marta Ciapina dans Gli anni (2023), pièce de Marco d’Agostin, dans un rôle qui lui a valu le prestigieux prix Ubu. Aujourd’hui elle demande au chorégraphe de mettre en scène sa tournée d’adieux. Cela donne Catalogo , qui nous plonge dans la dernière journée de travail d’une danseuse en studio. Quatre artistes (Silvia Gribaudi, Emio Greco | Pieter C. Scholten, Sot-terraneo, Francesca Pennini/Collettivo Cinetico) ont été sollicités pour créer en son honneur un objet artistique : une vidéo, une danse, un geste… À partir de ces hommages poétiques, Marco d’Agostin construira la dernière chorégraphie qu’elle traversera. Mais à mesure des représentations, d’autres objets pourraient bien venir s’ajouter au catalogue. Alors cette tournée n’est-elle pas, finalement, une manière de prolonger la vie d’une danseuse ? Et si ces adieux, sans cesse renouvelés, réinventés, devenaient une façon de vivre, profondément romantique ?

Véritable outil pour la création, le dispositif « accueil-studio » financé par le Ministère de la Culture et les collectivités locales permet à des chorégraphes de disposer d’un espace de travail et de moyens de production. Ces résidences de création, réparties sur l’ensemble du territoire grâce au réseau des Centres de Développement Chorégraphiques Nationaux, permettent chaque année à des artistes régionaux, nationaux et internationaux la création de nouveaux projets. Certaines de ces résidences ouvrent leurs portes pour permettre au public de découvrir une étape de travail lors de soirées baptisées chez nous « travaux publics ». Dans certains cas, des soirées 2 en 1 vous permettent de suivre le travail en cours d’une compagnie en résidence à 19:00 et un spectacle de notre saison à 20:30. Calixto Neto, danseur et chorégraphe originaire de Olinda au Brésil est installé en France depuis 2013 après avoir été membre de la compagnie de Lia Rodriguez à partir de 2007. Jardim Atlântico est un projet chorégraphique protéiforme mais aussi un lieu bien réel, le quartier où le chorégraphe a grandi, à Olinda au nord-est du Brésil. Un quartier touché par un contraste social qui ressemble à plusieurs autres. Un quartier banal, en périphérie de la ville. Jardim Atlântico est le nom d’une pièce solo, habitée par les mémoires, les archives personnelles, les danses traditionnelles de Pernambuco, qui prendra aussi la forme d’une manifestation collective. Une pièce de danse comme une maison, entourée par d’autres propositions performatives, à l’intérieur d’un quartier éphémère. Un lieu d’accueil pour les artistes des périphéries, les corps marginalisés, les récits invisibilisés. Résidence : LU 01 > VE 05 FÉV Création mars 2027