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Sylvain Huc propose une interprétation sans mièvrerie du Petit Chaperon rouge, conte que nous connaissons par Perrault ou Grimm mais qui vient des tréfonds de la tradition orale. De ce qui appartient au conte et à l’enfance, il retient le monde excitant de la nuit, de l’inconnu, de l’aventure en solitaire. Chez l’enfant, la nuit est peuplée : « elle transforme le monde, en brouille les limites, mêle réel et imaginaire. » Avec la complicité de Matthieu Blanc, qui travaille une bande son éléctro-rock-noise-romantique, le chorégraphe débarrasse l’histoire de sa narration et nous laisse face aux images devant lesquelles on aime trembler. Par le mime, quelquefois burlesque, le théâtre d’ombre et le travail des portés, le loup et l’enfant apparaissent, intervertissent leurs rôles, mettent en doute l’origine et la présence même du danger. Il retrouve la valeur initiatique du conte : la vacance du texte invite à se plonger dans l’univers nocturne et à en ressortir avec des questions fondatrices pour des adultes en devenir.

Dans Par d’autres voix, Ambra Senatore construit une auto-fiction à partir d’éclats de figures féminines avec qui elle entretient une proximité, réelle ou projetée. Mais la chorégraphe italienne installée à Nantes, dessine surtout des vies en mouvement de femmes de différentes nationalités, de celles qui partent, qui arrivent et dont on n’est jamais certains de la sédentarité ; mais aussi des femmes interdites de départ ou de retour, qui désirent la traversée. Seule en scène, son corps devient cet espace ouvert où ces personnages s’incarnent par des gestes issus du quotidien et par des mots jamais pathétiques, dans une ambiance teintée d’humour délicat. Car c’est avec une grande sensibilité que la chorégraphe rend hommage à ces vies, allant jusqu’à faire que leur parole, rythmée par son propre souffle, devienne musique, grâce au travail de composition en direct de Jonathan Seilman. C’est donc par touches qu’elle nous emporte dans cette peinture de la liberté au féminin.

Armin Hokmi fait émerger des souvenirs et l’atmosphère de danses passées. Il s’est plongé dans les archives du Festival des Arts de Chiraz, ville iranienne où s’est tenu, tous les étés de 1967 à 1977, une manifestation de renommée internationale. Dirigé par le cinéaste Farrokh Ghaffari, la dramaturge Khojasteh Kia et le metteur en scène Arby Ovanessian, il a constitué un espace de recherche artistique important pour des artistes occidentaux comme Merce Cunningham ou Carolyn Carlson. De cette recherche naît une danse calme mais obstinée où les interprètes semblent laisser affleurer des impressions. Danse festive ou rituelle ? Gestuelle traditionnelle, transmise ou purement fantasmée ? Tout, ici, est plutôt affaire d’impressions, d’images d’archives qui remontent et sont esquissées, à l’unisson, ou presque. Il y a de la magie dans ce spectacle : elle réside dans l’architecture de l’espace qu’ouvrent ces six corps aux trajectoires qui se rapprochent ou s’éloignent, mais restent ensemble.

Figure engagée de la danse hip-hop, Bouziane Bouteldja ouvre les horizons de sa pratique et place le corps au cœur des enjeux politiques, sociaux et identitaires. Avec Des danses et des luttes, il s’empare, raconte et incarne, avec ses complices, l’histoire de pratiques nées dans des contextes de résistance : pantsula en Afrique du Sud, voguing dans les communautés queer afro-américaines, flamenco comme cri d’un peuple… Cette conférence dansée enthousiaste, accessible à tous, donne à voir les gestes, à entendre les rythmes sur lesquels les luttes se dansent autour du monde, comment on y affirme son identité et son désir de transformation. Mais le public n’est pas simple spectateur : les artistes invitent chacun à entrer dans la danse, à redécouvrir un élan. On découvre, debout, ensemble, comment affirmer sa présence et son désir de transformation. Une transmission joyeuse, directe, où la danse devient un outil de lien, d’expression et d’émancipation partagée.

Durant quatre mois, en 2024, Lisbeth Gruwez est partie en Thaïlande pour se former aux arts martiaux. Tempest développe cet apprentissage : une adresse en forme de flèche qu’on lui connaissait déjà – it’s going to get worse and worse and worse, my friend (2012) –, et une gestuelle nette et hyper-articulaire, multipliant les petits impacts dans l’air. Mais la chorégraphe ne fait pas leçon. Elle dépasse la recherche personnelle de la canalisation de la colère pour faire de cette émotion bien humaine une amie. Que serait une danse de la colère, passée par la maîtrise du souffle ? Une tempête dont on pourrait, comme Eole, dieu grec des vents, manipuler les éléments ? Après Penelope (2017), Gruwez n’en a pas terminé avec les figures d’oracle : ce corps où des forces a priori opposées se rencontrent. La musique de Maarten Van Cauwenberghe, cherchant à tisser les basses telluriques électro avec le scintillement métallique d’instruments entendus en Asie, accompagne cette nouvelle aventure quelque peu mystique.

Sous les fleurs est un nouveau conte dansé de Thomas Lebrun après …de bon augure (2020), où le chorégraphe proposait une déambulation aussi facétieuse que pudique dans sa volière musicale. Aujourd’hui, ce sont des fleurs : des couronnes qui ceignent des cheveux tressés, les broderies aux couleurs vives qui ornent caracos et jupes. Les fleurs : les sourires et les embrassades lentes. Des silhouettes chatoyantes cousent, se confient silencieusement et se coiffent mutuellement – ce sont des mains qui dessinent dans l’espace et des bras qui le caressent. La pièce tient du documentaire : chez les Zapotèques, les Muxes, nées masculines, vivent pleinement leur féminité, au sein même du groupe sans toutefois avoir le droit de convoler. Comme un miroir inversé, en Occident où deux hommes peuvent faire couple, cette féminité est traquée. Traversés par ces paradoxes, les corps des cinq danseurs finissent par se troubler et verser dans une expressivité plus onirique, proche de celle de Pina Bausch.

Une partition graphique, c’est un dessin fait de formes, de couleurs et de symboles qui remplacent les notes et guident les enfants pour inventer et jouer des sons ensemble. Dans cet atelier nous jouerons collectivement à partir de partitions graphiques de formats variés, à l’aide de divers instruments, tourne-disque et loop station !

Venant de la scénographie, David Séchaud livre avec La Technique du poisson doré, un spectacle ludique entre cirque et musique. Au départ une envie simple et originale : un acrobate joue sur une partition qu’un musicien interprète. Ainsi, sur une scène transformée en tapis roulant, faisant office de portée, des structures, symbolisant des blocs de son, sont poussées par une équipe de machinistes et traversent la scène. Mais des incidents arrivent et les formes se bloquent, basculent, se heurtent, glissent les unes sur les autres, faisant apparaître d’étranges constructions. Un machiniste consciencieux s’aventure sur cet agrégat instable et y devient acrobate. Il est accompagné par deux facétieux musiciens, équipés d’un instrumentarium conséquent. À eux de jouer cette partition en interprétant l’évolution des objets. De ce divertissement découle une musique en harmonie vocale et pop amusée, qui rythmera le bonheur de tous, complices de ces machineries malicieuses.

+ 8 ans

Indispensables lieux de fabrique, les CDCN permettent chaque année à des dizaines d’artistes de créer de nouveaux spectacles dans de bonnes conditions techniques et financières. À POLE-SUD, un grand espace leur est dédié et nous participons, grâce à ce dispositif financé par le Ministère de la Culture et les collectivités locales, à la production d’œuvres régionales, nationales et internationales. 

Certaines de ces résidences ouvrent leurs portes au public. Ces « travaux publics » sont l’occasion de découvrir gratuitement une étape de travail. Pour cette soirée spéciale, il s’agira de trois compagnies différentes.

Aurore Gruel / Cie Ormone – Icebergs

La prochaine création d’Aurore Gruel a été pensé comme une constellation d’êtres vivants, habités par un langage commun mais traversés par différentes forces. Des icebergs dérivant seuls ou ensemble, au fil de l’eau, avec leurs rêveries, leurs chocs, leurs effondrements, leurs dérivations… Il y sera aussi question de polarité et de magnétisme entre les individus. L’occasion d’explorer différentes compositions qui peuvent se dessiner au sein de cette constellation d’icebergs : solos, duos, trios et quatuor.

Résidence : LU 13 > VE 17 AVR

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Joachim Maudet / Cie Les Vagues – CAILLOUX
Avec CAILLOUX, Joachim Maudet poursuit sa recherche sur la dissociation entre le corps et la voix pour faire émerger des situations aussi absurdes que poétiques. La pièce ouvre le deuxième volet d’un cycle de trois spectacles sur l’enfance et s’intéresse ici aux plus jeunes. Ce sera une pièce pour cinq interprètes vagabondant dans un univers sableux, chaud et rond. Ça gratte, ça tourne, ça virevolte. Des jeux aux règles mystérieuses. Une proposition artistique hybride se jouant des codes du spectacle vivant.
Résidence : LU 13 > VE 17 AVR

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Sarah Baltzinger & Isaiah Wilson – Nouvelle création
Dans cette création pour sept interprètes, les deux chorégraphes mettent l’écriture de plateau et le corps au cœur d’un processus hybride. Entre le corps dansé, le corps marionnettique et le corps transformé par la rencontre à l’autre, ils mettent en exergue la question de l’anxiété qui transcende les frontières du rationnel, et s’invite dans l’espace intime. Une manière de réfléchir aux émotions qui nous traversent et qui façonnent nos identités.  
Résidence : LU 13 > VE 17 AVR

FATA MORGANA désigne un mirage, une illusion d’objets démultipliés flottant à l’horizon. Étienne Rochefort interroge ici notre perception du monde contemporain, saturée par les images et l’information. Inspirée par l’ère des fake news et l’effondrement des hiérarchies de l’image en ligne, la pièce se joue de l’illusion. Dans ce duo chorégraphique, deux interprètes virtuoses du popping diffractent le mouvement, se décalent, se répondent, jusqu’à brouiller la frontière entre leurs corps. Il a recours à la vidéo, qui est tout sauf décor : elle devient matière vivante, prolonge les gestes, déjoue nos repères. Sur scène, le réel vacille. Entre présence réelle et image projetée, l’œil ne sait plus qui croire. À travers une écriture résolument contemporaine, proche de celle du cinéma, FATA MORGANA provoque un trouble esthétique et politique, d’où émerge la question primordiale de la fabrication de la vérité et du mensonge.

Badke (2013) fut créé pour dix interprètes palestiniens par Koen Augustijnen, Rosalba Torres Guerrero et Hildegard De Vuyst. La pièce a connu un fort retentissement international et a été présenté à POLE-SUD. Au travers de ce spectacle, toute une génération de danseurs aujourd’hui actifs a été formée. Badke (remix) est désormais entre les mains de deux d’entre eux Amir Sabra et Ata Khatab, portés par l’urgence de partager leur métier à des plus jeunes et de montrer la vitalité d’une culture. Le dabke folklorique palestinien est accompagné par le mijwiz, musique envoûtante portée par un instrument à vent en bambou, et est dansé dans les mariages. Les chorégraphes nourrissent cette danse traditionnelle de la diversité d’autres disciplines comme le hip-hop, la capoeira ou le cirque, pour affirmer leur ouverture au monde contemporain. Remonter cette pièce dans un contexte politique violent, devient un acte de résistance nécessaire, collectif qui n’oublie pas la joie, énergie nécessaire à la vie. Danser, coûte que coûte.

Indispensables lieux de fabrique, les CDCN permettent chaque année à des dizaines d’artistes de créer de nouveaux spectacles dans de bonnes conditions techniques et financières. À POLE-SUD, un grand espace leur est dédié et nous participons, grâce à ce dispositif financé par le Ministère de la Culture et les collectivités locales, à la production d’œuvres régionales, nationales et internationales.   

Certaines de ces résidences ouvrent leurs portes au public. Ces « travaux publics » sont l’occasion de découvrir gratuitement une étape de travail. Dans certains cas, des soirées 2 en 1 vous permettent de suivre le travail en cours d’une compagnie en résidence à 19:00 et un spectacle de notre saison à 20:30.

Arthur Perole place l’amour au cœur d’une fresque imaginée pour neuf interprètes. À une époque où l’autre est souvent présenté comme un négatif de soi, un ennemi en puissance, il fait le pari de croire en une réconciliation dans l’amour, comme un acte de résistance. La pièce, polyphonique, portera sur cette tension presque absurde entre l’amour et la catastrophe, sur un mode qui n’exclut pas l’humour. Comment l’amour survit à la promesse de la catastrophe ? Comment le groupe est-il une force face à cela ?

Résidence : MA 26 > SA 30 MAI

Qu’est-ce qui pourrait sauver l’amour ? est la nouvelle création de Sylvain Riéjou, artiste associé à POLE-SUD. Comme un écho à sa première pièce, Mieux vaut partir d’un cliché que d’y arriver, également programmée en début de saison, il imagine cette fois une comédie musicale sur l’amour, en interrogeant nos clichés romantiques, à partir de la célèbre chanson de Daniel Balavoine. Il les déjoue en faisant incarner ce thème par des personnes de tous horizons : personnes âgées ou jeunes, timides ou extraverties, en situation de handicap ou valides ; et entrelace joyeusement leurs chansons de gestes illustrant des moments de leur vie amoureuse, réelle ou rêvée.